PERÍODOS DE LA MÚSICA

PERÍODO MEDIAVAL

El periodo mediaval abarca desde hundimiento del Imperio Romano (año 400) hasta mediados del siglo XIV (1350) coincidiendo con la decadencia del “Ars Nova”.

En este período se suceden acontecimientos como la caída de Constantinopla (mediados del siglo XV), o la invención de la Imprenta y el descubrimiento de América (finales del siglo XV).

Musicalmente se corresponde aproximadamente desde los comienzos del Canto Latino, pasando por el Gregoriano hasta la finalización del Ars Nova a mediados del siglo XIV.

 Características Generales

La música en este periodo tenía fundamentalmente un carácter religioso.

- MÚSICA RELIGIOSA -

El canto sin acompañamiento utilizado en la primera liturgia cristiana (año 400) influenciado por las canciones profanas de su tiempo derivo en lo que se conoce como Canto Gregoriano (Siglos VII al IX).

A comienzos del Siglo IX se le añadió una voz más en algunas partes del canto. El estilo Resultante se le llamó Organum. A finales del siglo XII el Organum se escribía hasta con 3 y 4 voces.

Debido a este aumento del número de voces fue necesario cambiar el estilo de notación hasta llegar a la actual notación musical, la cual se atribuye al monje benedictino italiano Guido d’Arezzo, en el siglo XI.

Desde el siglo XII al XIII se continuo utilizando el Organum dentro del periodo conocido como Ars Antiqua.

A comienzos del siglo XIV surge un nuevo estilo llamado Ars Nova que se mantendrá hasta mediados de este siglo. Uno de sus mayores impulsores fue el obispo francés Philippe de Vitry. Uno de los representantes más importantes de este período fue Guillaume de Machaut.

- MÚSICA PROFANA -

La música profana continuaba vigente fuera de las iglesias.

Por una parte estaban los Juglares, únicos transmisores de la música popular.

Por otra parte estaban los Trovadores, de clase social más alta, surgidos en el sur de Francia, y que cantaban sus propias canciones.

PERÍODO RENACENTISTA

El Renacimiento comienza aproximadamente a mediados del siglo XIV, llegando a su apogeo en el siglo XVII y finalmente su decadencia a finales de este mismo siglo.

Musicalmente abarca desde la decadencia del Ars Nova (mediados siglo XIV) hasta la llegada del estilo recitativo y las nuevas formas como el oratorio y la cantata (finales del siglo XVI).

Características Generales

- PRIMER RENACIMIENTO (mediados siglo XIV) -

En la primera mitad del siglo XIV comienza una cierta reacción contra la complejidad del Ars Nova, y se busca una mayor simplicidad y elegancia en las composiciones.

Comienza a utilizarse el contrapunto a través de la imitación (una misma idea melódica repetida en una o dos voces en un corto espacio de tiempo). Una voz imitando a otra durante un largo espacio de tiempo formaba un Canon.

El principal impulso a este nuevo estilo surge en Inglaterra de la mano de John Dunstable.

El compositor más destacable de este primer renacimiento fue Guillaume Dufay, otro Gilles Binchois.

- ESCUELA FRANCO-FLAMENCA (siglo XV) -

Los compositores Franco-Flamencos continuaron la tradición de las canciones, motetes y misas, pero dieron en todas sus obras una mayor importancia al contrapunto con igual relevancia de todas las voces.

Alguno de los más destacados compositores Franco-Flamencos fueron: Josquin des Prés y Orlando di Lasso.

- PLENO RENACIMIENTO ITALIA (Siglos XV y XVI) -

Italia recogerá la herencia Franco-Flamenca y llegará al apogeo del contrapunto y la técnica polifónica.

Claudio Monteverdi es el mayor exponente del nuevo estilo recitativo, consistente en recitar cantando. Cuando este estilo recitativo sea llevado a la escena estaremos ante el “drama per música” y el nacimiento de la Ópera.

Por otra parte, Giovanni Pierluigi de Palestrina es el máximo exponente de la polifonía coral religiosa.

Paralelamente al desarrollo vocal se da un hecho de gran trascendencia y es el auge de la música instrumental, liberada de la servidumbre de la voz.

- OTROS PAISES -

En España destacará sobre manera Tomás Luis de Victoria, que alcanzará gran renombre en toda Europa, como compositor religioso, mientras que Antonio de Cabezón será un reconocido compositor de música instrumental.
En Inglaterra cabe destacar como músico instrumental a William Byrd.

PERÍODO BARROCO

El Barroco comienza ya a finales del siglo XVI extendiéndose este período hasta los primeros decenios del siglo XVIII.

Musicalmente se inicia igualmente a finales del siglo XVI mientras que para su conclusión se toma como referencia el año de la muerte de J.S. Bach en 1750.

Características Generales

En este período se desarrollaron nuevas formas musicales y se operaron grandes avances técnicos, tanto en la composición como en el virtuosismo, así tenemos:

• Cromatismo: Nicola de Vicentino (1511-1613) influenciado por los modos griegos introdujo , tanto en el canto como en instrumentos, las diferencias entre tonos con sostenidos y con bemoles. En sus obras introduce variaciones cromáticas admirables, anticipando casi en tres siglos el dodecafonismo de Schoenberg.

• Expresividad: En la época precedente, la polifonía había causado que el canto coral se hiciera cada vez más incomprensible. Con la llegada del Barroco la claridad de la palabra recobra su importancia, y el arte del acompañamiento se enriquece.

• Bajo cifrado y continuo: Consiste en fijar la nota del bajo e indicar con números el intervalo en que deben sonar o cantar las otras voces. Otras veces se escribe la melodía y se le agrega el bajo cifrado dejando a las voces intermedias libertad para moverse, a este se le llamó Bajo Continuo.

• Barra de compás: El compás aún cuando aparece por primera vez en la pieza “Musica Instrumentalis” de Alexander Agrícola en 1529, es una de las aportaciones más importantes del período barroco.

• Policoralidad: En este período se empezó a utilizar más de un coro, y las orquestas se agrandaron para acomodarlas a los nuevos espacios más grandes.

• Intensidad: Fue Andrea Gabrielli uno de los primeros en dar indicaciones de matices en las partituras, dando origen a los términos Forte y Piano. Con Johann Stamitz se consolida en toda Europa el principio de crescendo y diminuendo, en 1751.

Géneros Musicales del Barroco

En el período barroco, el canto, la música instrumental y la dramática, se separan según la razón social que la determina. Se pueden dividir en tres:

• Género de Iglesia:-. A principios del barroco existía una cierta ambivalencia, por un lado se pretendía continuar con los patrones renacentistas iniciados por Palestrina, mientras por otro elementos más liberales promulgaban una música más variada con acompañamiento instrumental. Claudio Monteverdi fue uno de los máximos exponentes de este género y recibió el encargo de reinstaurar el viejo estilo polifónico en la catedral de San Marcos en Venecia.

• Género Instrumental-. Fue en el renacimiento cuando la danza comenzó a ocupar un sitio importante en la vida social. Las danzas son el origen de las Suites de danza del período barroco, y por otra parte la alternancia del Lento y el Rápido, a los movimientos del Concerto. Por otra parte la necesidad de comenzar las obras de teatro con una música que sirviera de anunciación de comienzo de la obra (Obertura), y de iniciar el 2º acto con otra pieza para el mismo uso y de nombre Entreacto, dio origen a las formas musicales del concierto, sonata, sinfonía, fuga y tocata.

• Género Dramático-. Este género tiene también su origen en la danza y el teatro. En el mismo año de la muerte de Palestrina se formo la “Camerata Fiorentina”, u grupo de músicos reunidos con el objetivo de recuperar las grandes tragedias griegas, pero enriqueciéndolas poniendo notas musicales a las poesías. Ellos no pretendieron componer bellas melodías, sino tan solo expresar las palabras mediante notas musicales que se elevaban y descendían al igual que la voz que las recitaba, es de aquí donde nace el estilo Recitativo. Claudio Monteverdi es quién va a darle forma a este género con la aparición de la Ópera.

Formas Musicales del Barroco

• El Madrigal-. Esta forma ya se venía desarrollando en el renacimiento, pero en este período se va a sofisticar más sobre todo en su aspecto musical.

• La Ópera-. En el Barroco temprano se abandona el estilo contrapuntístico y se reemplaza por la monodia acompañada con armonías y acordes. Es en 1607 cuando aparece Claudio Monteverdi (1567-1643) con sus 2 grandes óperas “Orfeo” y “Coronación de Popea”. 30 años más tarde, ya en el Barroco Medio , se inaugura el primer Teatro dedicado a la Ópera en Venecia, y a partir de ahí no pararía la construcción de ellos gracias a lo cual la ópera se convirtió en un espectáculo del que también disfrutaba el pueblo llano. En el Barroco Medio Giovanni Battista Pergolesi (1719-1732) crea la conocida como Ópera Bufa, que continua genialmente en el Barroco Tardío Alessandro Scarlati (1685-1759). En el Barroco Tardío nos encontramos con Georg Friedrich Haendel (1685-1759) que fue el gran predecesor de la Ópera del Clasicismo.

• El Oratorio-. En contraposición a los temas más mundanos de la Ópera surge este nuevo género conocido como Oratorio. En el Oratorio se prescinde de los grandes decorados y vestuarios, y la acción dramática por la voz de un narrador. Se permiten el empleo de grandes masas corales y se representan exclusivamente temas simbólicos. El papel de Claudio Monteverdi en el desarrollo de la Ópera lo asume Giacomo Carissimi (1605-1674) en el auge del Oratorio. El oratorio se presenta en Salas, Iglesias, Palacios, al aire libre. Su desarrollo es extraordinario y no menor al de la Ópera, y alcanza su perfección con Georg Friedrich Haendel (1685-1759).

• La Cantata-. La cantata fue en sus orígenes un género afín al oratorio, pero no siempre aludía en sus textos a motivos religiosos, de hecho hacía más referencia a temas seculares o poesía renacentista. En el Barroco Temprano son las obras del mismo Carissimi las más relevantes, y es el quien las lleva a la iglesia. En el Barroco Tardío es Johann Sebastián Bach quien lleva la cantata a su máxima expresión.

• La Sonata, la tocata y la suite-. Todas estas formas tienen sus orígenes en las danzas y aperturas de las obras teatrales. La suite nace de la sucesión de una danza lenta seguida de otra más rápida. La sonata es una forma parecida a la suite pero se diferencia por ser bitemática, con tiempos contrastantes, por tener una tonalidad fundamental, una coda libre, ect… normas que regirán también a la forma sinfonía, el concierto y a casi toda la música de cámara. Mas tarde aparecerían sonatas para violín solo o con acompañamiento de violín. La sonata alcanza su plenitud con J.S. Bach.

• El estilo concertato-. Consiste en la utilización de masa corales tratadas como solistas, reemplazando con la armonía la escritura contrapuntística. Las partes vocales son sostenidas únicamente por el bajo continuo. Su máximo exponente es Giovanni Gabrielli.

• La Fuga-. Es la forma más evolucionada del estilo polifónico. Heredera del canon, en la fuga las voces tienen la misma melodía, pero entran de manera escalonada, manteniendo las distancias invariables, el tema puede intercambiarse entre una y otra voz. La forma definitiva de la fuga la establece J. S. Bach.

• La Sinfonía-. El término sinfonía tiene en un principio el mismo significado que sonata: ambos términos se usaron para designar piezas de solistas o de Orquesta, sin forma estricta. Se inicia su historia con el compositor Alemán Johann Stamitz, que supera definitivamente el período contrapuntístico y la técnica del bajo continuo, e introduce la novedad del crescendo-diminuendo  en su célebre orquesta de Mannheim.  Stamitz es considerado el gran precursor de Haydn y Mozart.

Períodos del Barroco

- BARROCO TEMPRANO -

• El Barroco temprano se caracteriza por el empleo de la monodia acompañada (Camerata fiorentina) con la que se rata de dar efectos emotivos al texto.

• Por otra parte en el género dramático se abandonan los antiguos modos, y se impone el sistema tonal con los tonos mayores y menores.

• Con base en la danza y las operturas de obras teatrales se desarrollan las nuevas formas musicales: sonata, tocata, etc…

• Las orquestas y coros crecen en tamaño, para adaptarse al nuevos espacios más grandes diferentes a los salones donde se acostumbraban a presentarse. Entre los grandes maestros de este período cabe señalar:

Entre los más importantes maestros de este período podemos señalar a:

• Jacopo Peri y Giulio Caccini: de la Camerata fiorentina
• Girolano Ferscobaldi: máximo representante de la música instrumental de este período.
• Claudio Monteverdi: verdadero revolucionario tanto en el tratamiento de las voces como en la instrumentación orquestal, considerado como el puente entre el viejo estilo polifónico y el de nuevo de la monodia acompañada.
• Giovanni Gabrieli: máximo representante de la música sacra de este período. Fue uno de los primeros en hacer indicaciones de intensidad.
• Claudio Merulo: notable compositor de motetes, misa y madrigales.
• Carlo Gesualdo: se carecterizó por le empleo del cromatismo. Sus progresiones cromáticas se podrían atribuir fácilmente a la música del siglo XX.
• Hans Leo Hassler: que introdujo la forma “Lied” en Alemania, combinando lo mejor del madrigal y adaptándolo a su país. 
• Johann Herman Schein: antecesor de Bach en la Cantoría de Santo Tomás.
• Samuel Scheidt: ilustre precursor de Bach y considerado el último de las grandes “S” de la música antigua alemana.
• William Byrd: excelente compositor de madrigales.
• John Dowland: célebre virtuoso del Laúd, y uno de los más renombrados compositores de su época.
• Orlando Gibbons

- BARROCO MEDIO -

• La Ópera iniciada por la Camerata Fiorentina para rescatar la antigua tragedia griega se expande por toda Europa.

• El Oratorio renuncia a todo tipo de decorado convirtiéndose en una forma de concierto.

• Se crea la Ópera Bufa llevando el género literario de la comedia a la música.

• En este período se difunde el uso del clavicordio y violín como instrumentos solistas, favorecido el primero por la aparición de la escritura a 2 pentagramas uno para cada mano.

• Se atribuye también a este período la aparición de los castrati como Farinelli, cafarelli, etc… Esta práctica perduro hasta finales del Barroco.

Entre los más importantes maestros de este período podemos señalar a:

• Bartolomé Cristófori: que en 1711 inventó un instrumento que llamó “Clavicémbalo col Piano e Forte” después llamado Piano.
• Giacomo Carissimi  uno de los primeros compositores importantes de cantatas y oratorios, miembro de la Camerata Fiorentina, seguidor de Monteverdi y profesor de Alessandro Scarlatti.
• Luigi Rossi: junto a Carissimi es uno de los máximos exponentes del género Cantata.
• Giovanni Battista Vitali y Tommasso Antonio Vitali: ambos padre e hijo, virtuosos del violín y máximos representantes de la música instrumental de la escuela bolognesa.
• Henrich Schütz: que es considerado el primer gran compositor aleman, y cuya producción principal se halla en el campo religioso, como seguidor de las inteciones de Lutero en el campo de la música.
• Johann Jakob Froberge: destacado discípulo de Frescobaldi, y como éste, dedicó su talento a la música instrumental. Compuso las primeras suites para clave y también fue uno de los primeros en componer una fuga.
• Dietrich Buxtehude: El principal desarrollo del órgano como instrumento solista se debe a este compositor alemán, y al igual que el francés Couperin dedicó a ese instrumento gran parte de su producción. Fue el primero que organizó conciertos públicos en las iglesias, a uno de ellos, fue al que asistió el joven Johann Sebastian Bach, quien para ello caminó 300 kilómetros desde Arnstadt hasta Lübeck.
• Robert Cambert: Fundador de la ópera de París y compositor de las primeras obras de este género en idioma francés.
• Jean-Baptiste Lully: Nacido en Florencia, artista de circo, maromero, bailarín, titiritero y cocinero, se traslada a París en 1672 e ingresa a la corte del Rey Sol como ayudante de cocinero. Rápidamente logra granjearse la simpatía del Rey quien lo nombra superintendente de la música de cámara. La importante obra de este advenedizo aventurero, que puede situarse entre los períodos medio y tardío del barroco, radica en que es el verdadero instaurador de la ópera en Francia.

- BARROCO TARDÍO -

• En este período se consolidan los dos modos mayor y menor que van a regir la música occidental hasta la aparición del atonalismo en nuestro siglo XX.

• La supremacía en la ópera seria pasa de Italia a Alemania e Inglaterra mientras que en Nápoles y en Francia triunfa la ópera bufa.

• En toda Europa se consolida el concerto grosso y el concerto solista, así como también sus equivalentes en la sonata: el ensemble y el solo.

• El oratorio y la cantata continúa su ascenso dentro de la música de iglesia.

• En este período, Alemania consigue la supremacía musical que perdurará durante varios siglos con compositores como Teleman, Haendel y Bach, y luego con Haydn, Mozart, Beethoven y una cadena de genios que nos llega hasta nuestros días.

Entre los más importantes maestros de este período podemos señalar a:

• Giovanni Battista Pergolessi: En su corta vida creó bella música religiosa. Escribió también misas y oratorios. Su intermezzo llamado "La Serva Patrona" provocó en París, en 1752, la célebre "batalla de los bufones", y dio paso al surgimiento, en Francia, de la ópera bufa.
• Alessandro Scarlatti: A este compositor se debe el surgimiento de la escuela napolitana y la institución de la obertura italiana con su esquema rápido-lento-rápido. 
• Domenico Scarlatti: Hijo de Alessandro y como él, uno de los músicos más famosos de su tiempo. Contemporáneo de Bach y de Haendel pero con un estilo más moderno que los alemanes, prepara en muchos sentidos la música de Mozart.
• Arcangelo Corelli: Uno de los más grandes músicos de todos los tiempos y pueblos. Es el máximo exponente de la música para violín y director de orquesta de cuerdas de su época. Superó el estilo virtuoso, un tanto superficial, por una honda expresión de sentimientos. La influencia de Corelli sobre las generaciones subsiguientes es considerable, Bach y Haendel le deben muchísimo. Se considera el creador de los concerti grossi.
• Antonio Vivaldi: compuso más de 600 conciertos para todos las instrumentos de su época, pero especialmente para violín o grupos de violines, los 4 primeros son las famosas Cuatro Estaciones. Compuso también 40 óperas (pocas han llegado a nuestros días), 3 oratorios, 38 cantatas y mucha música religiosa, como su célebre "Gloria". El plan del concierto, rápido-lento-rápido manteniendo la misma tonalidad y el uso del ritornello tuvo enorme influencia en la música de Bach, quien transcribió varios de sus conciertos.
• François Couperin: Miembro de una familia de notables músicos, llegó a poseer una fama mayor que ellos y por eso se le conoció con el apodo de "El Grande". Es el representante más distinguido del Rococó francés, sobre todo en el clavecín.
• Jean-Philippe Rameau: Es considerado el padre de la armonía moderna ya que recopiló y elaboró reglas para el dualismo tonal en modos mayores y menores, estableció muchas de las reglas fundamentales que sirven de base para la armonización, como la de las octavas y quintas paralelas u ocultas, etc., que sólo quedan sin sentido en la música atonal planteada por Schoenberg en nuestro siglo XX. Además de sus libros "Tratado de Armonía y sus Principios Naturales", Rameau compuso numerosas piezas líricas y ballets.
• Henry Purcel: Fue el creador nacido en Inglaterra más importante durante siglos. Su ópera "Dido y Eneas" es el aporte más notable de Inglaterra a la temprana ópera. También compuso música incidental para obras de y mucha música instrumental. A su muerte fue enterrado en la Catedral de Westminster, siendo el primer músico en recibir tal honor. 
• Georg Philipp Telemann: Fue el compositor alemán más famoso de su generación incluyendo a Bach y a Haendel. A los 12 años escribió su primera ópera. Fue gran amigo de Johann Sebastián Bach, cuya influencia se deja sentir en sus obras. Sus obras ascienden a una cantidad increíble: 40 óperas, 600 composiciones orquestales; tales como oberturas, suites, conciertos, serenatas; 44 pasiones, 33 oratorios; cantatas y motetes para 12 años completos, calculando uno, por cada Domingo o Feriado, 700 arias, música de cámara en enorme número y para toda clase de instrumentos.
• Johann Sebastian Bach: Es reconocido universalmente como el más grande de los compositores del Barroco, y uno de los más grandes de todos los tiempos. En contraste con Haendel y Teleman, Bach no compuso ninguna ópera, pero su música cantada o instrumental llegó a un nivel de perfección que se hacía imposible imitar o mejorar. Por eso se considera el fin de un período, de un idioma en el que ya nada nuevo quedaba por decir. Él mismo se consideró un músico religioso, y componía siempre "a la gloria de Dios", por lo que no buscaba la aprobación de un monarca o de un mecenas, ni siquiera del público, su obra era para Dios y para sí mismo. Su obra fue muy extensa. Lo asombroso de Bach no es su cantidad (que de por sí es enorme), sino el hecho de que permanece en el repertorio de todos los solistas o conjuntos del mundo, durante más de dos siglos. Para comprender este fenómeno se podrían escribir largos libros, o simplemente admitir que su inventiva, su genialidad, su conocimiento íntimo de cada uno de los instrumentos, su perfección de estilo y la belleza de sus melodías, todo esto y más, son el producto de una inspiración y una genialidad divina. 
• Georg Friedrich Haendel: Compositor alemán. Trabajó mucho en su país, pero fue en Inglaterra donde realmente compuso sus obras más maravillosas, fue allí donde murió y es allí donde reposan sus restos. Su enorme importancia en la música es que supo coordinar las tres influencias de la música de la época: la italiana, la alemana y la inglesa, las cuales une con singular maestría, convirtiéndose en un verdadero cosmopolita del Barroco. Entre su música orquestal cabe destacar "Música Acuática", "Música para los Reales Fuegos Artificiales”.

PERÍODO CLÁSICO

Esta etapa se corresponde con el período llamado Neoclasicismo en el resto de las artes.

Musicalmente se inicia en el año de la muerte de J.S. Bach en 1750, aunque el clasicismo pleno se identifica con la llamada 1ª Escuela de Viena, hacia 1760, finalizando con el triunfo del espíritu romántico a principios del siglo XIX.

Características Generales

Para comprender la música de este período, tienen especial importancia algunos aspectos de la vida y el pensamiento del siglo XVIII. Este siglo fue una era cosmopolita. El complejo movimiento conocido como "la Ilustración" se inicia como una rebelión del espíritu; una rebelión contra la religión sobrenatural y la iglesia, a favor de la religión natural y la moralidad práctica; contra la metafísica, a favor del sentido común, la psicología empírica, las ciencias aplicadas y la sociología; contra la formalidad, a favor de la naturalidad; contra la autoridad, a favor de la libertad del individuo; y contra el privilegio, a favor de la igualdad de derechos y la educación universal. Por consiguiente, la índole de la Ilustración fue laica, escéptica, empírica, práctica, liberal, igualitaria y progresista; de una idea natural, es decir, la de que la naturaleza y los instintos o sentimientos naturales del hombre crean la fuente del verdadero conocimiento y de la acción justa. La religión, los sistemas filosóficos, las ciencias, las artes, la educación, el orden social, se juzgaban todos ellos en función de cómo contribuían al bienestar del individuo. Desde el punto de vista musical, estos cambios sociales tuvieron gran trascendencia. La música de la corte, poco a poco se fue convirtiendo en música de la burguesía, trasladando su sitio de ejecución primero de los palacios a los salones de ricos burgueses y luego a las salas de concierto públicas, lo cual transformó la relación entre el músico, en particular el compositor, y su público. Las implicaciones en la composición propiamente dichas son diversas. Del contrapunto cerebral y estudiado, se pasa a una homofonía más natural y más accesible a un público mayor. En la ópera, de lo artificioso, se pasa a lo natural, siguiendo el patrón ya iniciado en la ópera bufa napolitana. En los espectáculos en general, de la gracia y la elegancia cortesanas, se pasa al drama humano, con cada vez mayor énfasis en los sentimientos. Y desde el punto de vista del artista, del orden aceptado e inalterable, se pasa al individualismo heroico , capaz de vencer todos los obstáculos.  Lo esencial de la música clásica, era conmover y agradar, a través de la armonía. En consecuencia, es posible describir de la siguiente manera el ideal de mediados y fines del siglo XVIII: su lenguaje debía ser universal, y no estar limitado por fronteras nacionales; debía ser noble y entretenido; debía ser expresivo (dentro de los límites del decoro); debía ser equilibrado, así como natural (despojado de complicaciones técnicas).

1ª Escuela de Viena

El apogeo de la música del s. XVIII conocida como estilo clásico o clasicismo se produjo verdaderamente a finales del siglo con la música de un grupo de compositores que formaron la «1ª Escuela de Viena».  Los más importantes fueron Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

Cambios en la Ópera

En la ópera, el gran género de la época, se produjeron grandes cambios.  En Italia había perdido mucho de su carácter originario de «drama con música», llegando a ser un conjunto de arias escritas para el lucimiento de los cantantes.  Varios compositores europeos reintrodujeron los interludios instrumentales y los acompañamientos y las intervenciones corales, y dieron variedad a las formas y estilos de las arias. También trataron de combinar grupos de recitativos, arias, dúos, coros y secciones instrumentales dentro de las mismas escenas.  El reformador más importante fue Christoph Willibald Gluck, mientras que con Mozart la ópera de este periodo alcanzó su grado más alto de perfección, caracterizando a los personajes tanto con los aspectos vocales como con los instrumentales.

Períodos del Clasicismo

- ESTILO ROCCOCO O GALANTE (Preclasicismo) -

La reacción contra el estilo barroco adoptó formas diferentes en Francia, Alemania e Italia. El estilo Rococó se cultivó sobre todo en Francia, y la expresión francesa Style Galant (estilo galante) se utiliza a menudo como sinónimo de Rococó. En Francia esta nueva corriente está representada por el compositor Francois Couperin. En el se destacaba la textura homófona, esto es, una melodía acompañada con acordes. Esta melodía se ornamentaba con adornos como el trino.
Tanto en el estilo rococó como en el sensitivo  desarrollado en alemania el bajo pierde todo vestigio de conducción e independencia contrapuntística, convirtiéndose simplemente en un apuntalamiento de la melodía, mientras que las voces intermedias, son mero relleno armónico.

Los principales representantes de estos estilos son:

• Doménico Scarlatti: Principal compositor italiano para teclado del siglo XVIII (estilo Rococó). Hijo del célebre Alessandro Scarlatti. Su música es específicamente clavecinista. Scarlatti ejerció una influencia decisiva en la evolución de las técnicas de teclado que se han convertido en los pilares básicos de la composición para ese tipo de instrumento; además, fue el primer compositor que utilizó determinados recursos como los arpegios y la repetición rápida de una misma nota.
• Wilhem Friedemann Bach: Compositor y organista alemán (estilo sensitivo), hijo mayor de Johann Sebastian Bach. Su música contiene frecuentes cambios de temperamento, lo que le da una energía que no corresponde con la música de su época. 
• Carl Philipp Enmanuel Bach: Compositor alemán (estilo sensitivo), una de las figuras más influyentes y populares de su época. Fue el tercer hijo de Johann Sebastian Bach. Fue director musical de las cinco iglesias más importantes de Hamburgo. En sus composiciones, específicamente en su música de teclado, destaca una clara línea melódica, premonitoria del futuro de Mozart. Lo más importante de sus composiciones es que tienen una estructura más compleja, que viene a ser el comienzo de la forma sonata, lo que le da a su música instrumental una nueva expresión dramática. Además, en su música él le asigna enorme importancia al aspecto expresivo de la interpretación, al cual se le da el nombre de sentimentalismo. La obra de éste, es extensa.

- El Género Sinfónico -

Sinfonía: composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos.

Hacia el año 1740 la sinfonía se había convertido en el principal género de la música orquestal. En Mannheim, Berlín y Viena, habían surgido importantes centros de composición.

El bohemio Johann Stamitz elevó a la orquesta de Mannheim al nivel de gran conjunto de fama internacional por su brillantez y utilizó sus recursos en todas sus sinfonías. Fue uno de los primeros en agregar un cuarto movimiento, un finale rápido, que seguía al minué.

En Berlín, los compositores Johann Gottlieb Graun y Carl Philipp Enmanuel Bach, escribieron sinfonías de tres movimientos con escaso contraste temático, pero en las que enfatizaban el desarrollo de la expresión emocional.

En Viena predominaron las sinfonías en cuatro movimientos; el primero era el de mayor importancia. Los instrumentos de viento se utilizaron con profusión y se puso especial cuidado en la integración melódica. Así, la transición entre temas podía hacerse mediante motivos cortos desde el tema principal. Entre los compositores vieneses son importantes Georg Matthias Monn y Georg Christoph Wagenseil.

También fue influyente Johann Christian Bach, que estudió en Italia y trabajó en Londres. Sus sinfonías están llenas de la gracia de la melodía italiana.

- El Concerto Grosso -

Al concierto (composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta), a finales del siglo XVII, le comenzó a aparecer una categoría específica: concerto grosso (nombre impuesto por el violinista y compositor Arcángelo Corelli), que empleaba una orquesta de cuerdas, a veces en contraste y a veces en conjunción con un pequeño grupo solista llamado concertino, que constaba sólo de tres músicos. Estos conciertos que comprendían varios movimientos cortos de carácter opuesto en compás y velocidad, eran virtualmente idénticos en estilo y forma al género de música de cámara dominante por entonces, la sonata de trío. Con el transcurrir del tiempo, la característica esencial siguió siendo el uso de una orquesta de cuerdas opuestas en cierta medida a una serie de instrumentos solistas- vientos, cuerdas o una combinación de ambos tipos.
El concierto grosso dio origen a una subcategoría, el concierto para solista, en el cual se reemplazaba al concertino por un único instrumento solista. Con ello se incrementaba el contraste entre el solista y la orquesta. Estos conciertos en un principio fueron compuestos para violín, la trompeta o el oboe.
Pronto habría composiciones para una amplia gama de instrumentos. Estas primeras obras determinaron el plan formal general, que permaneció uniforme en los conciertos para solista hasta alrededor de 1900. Se trataba de una sucesión de tres movimientos ordenados según su velocidad: rápido-lento-rápido. El movimiento intermedio estaba en una tonalidad diferente de la de los otros dos (primero y último). En los movimientos rápidos, los pasajes solistas se expandían y conformaban largas secciones, a menudo dominadas por una figuración rápida de la melodía. Estas secciones se alternaban con cuatro o cinco secciones recurrentes de la orquesta a pleno, llamadas ritornellos. En al menos uno de los movimientos, antes del final del ritornello, era de esperar que el solista hiciera una demostración de su talento técnico y musical mediante un pasaje improvisado llamado cadenza. Este fue un elemento habitual de los conciertos durante las eras clásica y romántica. Durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía. El resto del movimiento también seguía un desarrollo similar al primer movimiento de una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando juntos o de forma alternada. El movimiento final era generalmente un rondó con una especie de estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos determinados en su forma.
Al igual que las sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad propia y distinta, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante de una gran audiencia.

- La Ópera -

Quien domina todo el escenario operístico europeo, el reformador más importante del género, fue el músico checo Cristoph Willibald Gluck. Éste compositor se distingue por introducir en la ópera un nuevo concepto de la tragedia. Al contrario de la ópera comique, él utiliza principalmente argumentos basados en la mitología griega, continuando así la tradición de la ópera seria (pero al contrario de esta  última, Gluck elimina las fatuas complicaciones, y resalta la tragedia por medios musicales). La partitura orquestal se vuelve continua, sin interrupción entre recitativo y aria; en las arias descarta las repeticiones innecesarias, y realza la situación dramática. Sus más grandes óperas son Orfeo (1762), Alceste (1767), Ifigenia en Aulide (1774), e Ifigenia en Tauride (1779).

- CLASICISMO MUSICAL -

La sinfonía, la sonata y el concierto, así como el cuarteto de cuerda, siguieron un mismo perfil formal. Tenían tres o cuatro movimientos, uno o más de los cuales seguía la forma sonata. Sam martini, compositor de la época, está entre los primeros en introducir un segundo tema dentro, de un movimiento de una sinfonía, estando ese segundo tema en una tonalidad diferente a la del primero. Esta introducción de un segundo tema, creando en él un contraste con el primero (que sea una tonalidad distinta produciendo lo que se puede denominar un drama tonal), culminaría en lo que se denomina forma de primer movimiento, o más frecuentemente, forma de sonata. En el período clásico, obras de tres o cuatro movimientos, pero para un instrumento solo, particularmente el piano, o para dos instrumentos, tales como violín y piano.

Finalmente, este término se utiliza para definir la estructura de una pieza o movimiento, siendo preferible en estos casos, referirse a forma de sonata, para evitar confusiones con las otras acepciones (aclarando que ésta puede ser igualmente aplicable a un movimiento de una sinfonía, de un concierto, de un cuarteto de cuerdas, o de una sonata). La estructura de esta forma sonata es la siguiente:

• La exposición, que consta de un tema principal, en la tónica, seguido de un tema secundario.
• El desarrollo, que se puede definir como un ensayo sobre los temas de la exposición, en donde se explora el uso de tonalidades más o menos distantes de las originales, creando así un drama tonal.
• La recapitulación, en la que se vuelve a los temas iniciales, de forma tal que queda resuelto el drama tonal creado durante el desarrollo. La esencia de la forma sonata está en el drama tonal que se crea y la manera como se lo resuelve.

En lo que respecta a la ópera, siguiendo algunos elementos introducidos por Gluck, aunque alternando con el espíritu de la ópera comique, se encuentra Luigi Cherubín (1760-1842), italiano de origen, aunque desarrolló toda su obra en París.

Paralelamente con los desarrollos parisinos, la ópera continuó floreciendo en Italia. Los compositores relevantes de la época son Niccolo Piccini (1728-1800), a gusto con la ópera buffa de corte napolitano como las nuevas tragedias líricas; y Giovanni Paisiello (1740-1816) quien compuso unas 80  óperas buffas.
Otros compositores importantes fueron, Doménico Cimarosa (1749-1801), sumamente popular, autor de unas 60 óperas, las mayoría buffas; y Antonio Salieri (1750-1825), compositor de la corte de Viena y autor de 40 óperas en las que puso énfasis en la línea melódica.

Por último, en los libretos de la ópera italiana, se puede observar un proceso de mayor interés en las reacciones psicológicas de los protagonistas (el sentimiento burgués va reemplazando al realismo popular) y se incorporan nuevos aspectos trágicos de la actualidad.
En Alemania, por otra parte, se popularizó el singspiel, básicamente una obra de teatro con música, o comedia musical, en la que, con algunas notables excepciones, la música quedaba relegada a un segundo plano. Así lo hizo Johann Friedrich Reichardt (1752-1814), con su Claudine on Villa Bella, con libreto de Goethe, que tuvo un enorme éxito en 1789.

Los autores más importantes de este período son:

- FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809)-. Compositor austríaco. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Con ocho años entró en la escuela coral de la catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente, hasta que en 1761 consiguió un puesto fijo en la corte del príncipe húngaro Paul Anton Esterhazy (donde permaneció como músico de esa casa hasta cinco años antes de su muerte). El ser músico de los Esterhazy era un puesto a tiempo completo. El príncipe había formado una orquesta respetable con 15 o 20 integrantes, la cual tocaba varias veces por semana (generalmente sola, pero a veces integrando un grupo de ópera de la propia casa).Además de convertirse pronto en su director, Haydn también tenía que escribir mucha de la música a ser presentada en las veladas más selectas. Partiendo de las influencias recibidas en Viena, y de las sonatas de clavicordio de C.P.E. Bach, Haydn fue explorando nuevos caminos, con muy poca influencia externa, puesto que eran ocasionales sus salidas de Viena (durante sus últimos años en Viena, Haydn comenzó a componer misas y grandes oratorios como "la creación" (1798) y "las estaciones" (1801). También de este período es el himno del emperador (1797), que más tarde se convirtió en el himno nacional de Austria). A pesar de las influencias mencionadas, ninguna de éstas fue formal, por lo que se puede considerar a Haydn esencialmente como autodidacta.

Haydn abarcó prácticamente todos los géneros: vocales, instrumentales, religiosos y seglares. Él más que nadie, es quien formalizó el concepto del desarrollo de un tema, aspecto fundamental de la forma de sonata. Combinando a la vez una imaginación ilimitada y un sentido del orden muy marcado, sin ser propiamente el creador de la sinfonía, de la sonata (de las que compuso 62), o del cuarteto de cuerdas clásicos, fue el exponente más distinguido, estableciendo el clasicismo de estas formas (elevó la música de la Ilustración a un nivel de coherencia y expresividad). Asimismo, reintrodujo el contrapunto, pero no como un flujo continuo igual al del período barroco, sino como una interacción de las diferentes voces, cada una con vida propia. Muchas de sus obras no se conocían fuera de Esterhazy, especialmente los 125 tríos y demás piezas compuestas para viola barítono.
La mayoría de sus 19 óperas y operetas de títeres las compuso según el gusto y las directrices del príncipe. Las 107 sinfonías y los 83 cuartetos para cuerda, que revolucionaron la música, son pruebas fehacientes de su original aproximación a nuevos materiales temáticos y formas musicales, así como de su maestría en la instrumentación (sus sinfonías y cuartetos generalmente son en cuatro movimientos: un allegro (en forma de sonata), un adagio, un minueto con trío (sustituido posteriormente por un scherzo), y un finale vivace o presto.
La productividad de Haydn se vio reforzada por su inextinguible originalidad. La forma innovadora en que transformaba una simple melodía o motivo en complejos desarrollos fascinó a sus contemporáneos. Son característicos de su estilo los cambios repentinos de momentos dramáticos a efectos humorísticos así como su inclinación por las melodías de tipo folklórico. Puede decirse entonces que su equilibrio entre la música directa y los experimentos innovadores transformó la expresión instrumental del siglo XVIII.

- WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)-. Fue uno de los compositores austríacos más influyentes en la historia de la música clásica occidental. Hijo de un conocido violinista y compositor, Leopold Mozart ( que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo), tuvo una infancia precoz en la que sorprendió primero a sus mismos padres y luego a toda Europa por sus excepcionales dotes musicales. Ya a los 6 años podía tocar todos los instrumentos (de teclas o violín) sin haber recibido ninguna instrucción, así como componer, improvisar y leer partituras.

En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes de Europa. Durante este período compone sonatas (para clave o violín), sinfonías, oratorios y una ópera.
A estas obras de juventud, le siguieron otras, ya sean ópera buffa, ballet-pantomima, o música para piezas teatrales. Una vez en viena, a partir de 1782, se sucedieron una tras otra, sus óperas más geniales: "El rapto del Seraglio" (que se distingue por la belleza de su música, específicamente sus arias y por su toque humorístico italianizado), "las bodas de Fígaro" (1786), con tríos y cuarteto, donde los personajes principales se unen dentro de su propia condición musical para expresar una experiencia compartida; "Don Giovanni" (1787), en la que combina elementos de ópera buffa, seria y comique. Cabe aclarar que las óperas de Mozart sobresalen por encima de todas las de su época, justamente por su increíble maestría en componer la música más apropiada para cada escena, destacando según el caso, la dulzura de la voz humana, sus recursos virtuosísticos, o la sonoridad de uno de los instrumentos orquestales. Asimismo redujo drásticamente las arias para un solo intérprete, dándole mayor cabida a la interacción entre los personajes, destacando sin embargo, la individualidad de cada uno de ellos.

Además de sus  óperas, compuso muchas arias para voz y orquesta, obras seculares para coro y orquesta, música para voces a capella, y canciones para voz y piano.

También hizo música sacra, motetes y su monumental réquiem incompleto a su muerte (composición que terminó Franz Sussmayr).

A pesar de su corta vida y malograda carrera, Mozart se encuentra entre los grandes genios de la música. Su inmensa producción (más de 600 obras), muestra lo extraordinario de su talento y su imaginación desbordante.
En resumen, sus obras instrumentales incluyen sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara para distintas combinaciones de instrumentos, y conciertos; sus obras vocales son básicamente  óperas y música de iglesia. Su obra combina las dulces melodías del estilo italiano, y la forma y contrapunto germánicos.
Mozart epitomiza el clasicismo del siglo XVIII, sencillo, claro y equilibrado, pero sin huir de la intensidad emocional. Estas cualidades son patentes sobre todo en sus conciertos, con los dramáticos contrastes entre el instrumento solista y la orquesta, y en las óperas, con las reacciones de sus personajes ante diferentes situaciones.

Su producción lírica pone de manifiesto nueva unidad entre la parte vocal y la instrumental, con una delicada caracterización y el uso del estilo sinfónico propio de los grandes grupos instrumentales. Mozart tuvo la habilidad innata de poner cada nota en un sitio justo, logrando un perfecto equilibrio entre la melodía y formas tradicionales, haciendo a sus obras accesibles al público en general.
Al igual que Haydn, visto retrospectivamente, Mozart opacó totalmente a todos los músicos de su propia generación.

- LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)-. Compositor alemán, hijo de un músico que prestaba sus servicios como tenor al Elector y arzobispo de Colonia (los primeros brotes de talento musical de Beethoven, fueron dirigidos de forma tiránica, por una disciplina que éste le imponía a base de golpes).
Beethoven se presentó en un concierto por vez primera a los 7 años. En 1787 visita Viena por primera vez, y durante su estadía de sólo dos semanas, tuvo la oportunidad de conocer a Mozart, quien mostró su admiración al escucharlo al piano.
Ya en 1789 comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. Beethoven deslumbró a la aristocracia con sus improvisaciones pianísticas. Sus composiciones se encontraban a medio camino entre el audaz estilo del compositor Emanuel Bach y el exquisito refinamiento de Mozart.

El caso de Beethoven marca un cambio radical en lo que se refiere a la relación entre un compositor y la nobleza. Haydn y Mozart fueron durante una buena parte de carrera, sirvientes o empleados de los grandes aristócratas. Por el contrario, Beethoven buscó y encontró en ellas su apoyo.

La obra de Beethoven se divide en tres períodos bastante claros:

El primero, Clásico o Inmético (hasta 1793), en el que desarrolla un gran individualismo, y una disposición a explorar todas las avenidas imaginables dentro de su arte, y seguro de sus fuerzas y voluntad inagotables. En este período alterna las composiciones basadas en modelos clásicos, con las inspiradas en estructuras italianas más imprecisas (creación Adelaide, de 1795).

El segundo, Heroico o de Exteriorización (a partir de 1801), en el que comienza notablemente su creciente sordera (debilidad que lo atormentó por el resto de su vida). Este período se caracteriza por su voluntad de acero, pero que a veces flaqueaba entrando en las más profundas depresiones; y porque marca su retorno a las estructuras vienesas clásicas. Sus composiciones representan el desarrollo de las formas empleadas por Mozart y Haydn. Las armonías son opuestas (utiliza notas contrarias, dotadas de una fuerza y expresividad muy importantes).

El tercer período (a partir de 1820), Reflexivo o de Interiorización, corresponde a su aceptación de la sordera (resignación que se traduce en una mayor paz interna), pero no por esto se estanca su creatividad, sino que, por el contrario, más que nunca sigue explorando su mundo musical, con obras cíclicas que respondían a la influencia de una nueva generación de compositores románticos (Lieder y Schumann). En estas, sus últimas obras, Beethoven realiza una síntesis entre el estilo popular y el académico, entre lo festivo y lo sublime.

Las obras más importantes de Beethoven se pueden resumir en 9 sinfonías, 7 conciertos (5 para piano, uno para violín y un triple concierto para piano, violonchelo y violín), 16 cuartetos de cuerda, 32 sonatas para piano, 10 sonatas para violín y piano, 5 sonatas para violonchelo y piano, una ópera (Fidelio), 2 misas y la misa solemne, (Opus 123), varias oberturas y numerosas variaciones para piano.

Tanto el individualismo demostrado por Beethoven desde una temprana edad, como su interés en la nueva literatura de la época, y su alto nivel de idealismo, hacen de él, el primero de los compositores románticos. Sin embargo, por su afinidad con los compositores que le anteceden, su disciplina de composición que se traduce en estructuras claramente definidas, contrastes tonales y rítmicos bien estudiados, y rico color orquestal, sigue siendo un clásico, que cierra este período.

PERÍODO ROMÁNTICO

El romanticismo propiamente dicho apenas abarca desde los inicios del Siglo XIX hasta aproximadamente la mitad de ese mismo siglo.  

Sin embargo, musicalmente el periodo romántico sobrevivió al espíritu positivista que afectó al resto de las artes en la segunda mitad del siglo XIX y sólo tras la finalización de la Primera Guerra Mundial y la aparición del dodecafonismo puede considerarse finalizado (e incluso su pervivencia real en algunos autores va más allá de esos años).

Características Generales

La difusión y esplendor del clasicismo llevó consigo su propio agotamiento, dando lugar a que muchos compositores comenzasen a sentir la necesidad de nuevas fórmulas en las se percibiese el naciente espíritu romántico de la época, cargado de originalidad y subjetivismo.  Las nuevas composiciones, impregnadas de sentimiento antes que de reflexión, y de unidad de expresión antes que de unidad musical, mostraban el arrebato romántico con la inclusión de pasajes con poco o nada que ver con el conjunto, bastando para ello que dichos pasajes pareciesen bellos u originales. Esto sucederá en todos los géneros, que a su vez tenderán a mezclarse e interpretarse de forma personal.

La búsqueda de la expresión dio lugar, aparte de a una gran variedad de estilos, al encumbramiento de lo original y personal. Por ello, virtuosos del piano como Liszt, o del violín como Paganini, fueron muy admirados.

Además, se darán otra serie de novedades importantes:  

- Arte Independiente: Poema Sinfónico y Lieder -

Por primera vez la música se presenta como un arte independiente sin necesidad de justificación con otras artes o con ideas extramusicales. Esta independencia se manifiesta sobre todo en la música instrumental, en donde se continúa la tradición de la música pura, sin referencias externas, en autores como Schubert, Schumann, Brahms, Mendelssohn y Bruckner.

Es notable, sin embargo, el uso frecuente de ideas tomadas, por lo regular, de la literatura o la pintura, tal y como sucede en la música programática, que atendía antes al desarrollo de dicha idea que a un plan estrictamente musical.  El ejemplo de música programática más extendido fue el poema sinfónico, siendo dos de sus grandes representantes el francés Berlioz y el húngaro Liszt.  

Igualmente en las canciones se tomaban textos de poemas de los siglos XVIII y XIX, manifestando con la música los ambientes y caracteres descritos en los textos. Alemania fue el país que mejor representó esta tendencia a través de los lieder (canciones) de Schubert, Schumann, Brahms, Wolf y, a finales del siglo, Richard Strauss.

- Artistas Independientes -

También por vez primera el compositor se ve a sí mismo como artista independiente que sirve sólo a su inspiración. En este sentido de independencia, como en otros, Beethoven fue el primer modelo romántico, aunque sus procedimientos compositivos estén anclados en el clasicismo o puedan de hecho adscribirse a aquel periodo.

- Instrumentación y escala -

Como en otros períodos, la instrumentación siguió mejorándose durante el período romántico. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a los instrumentos de viento.
El tamaño de la orquesta estandar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el píccolo y corno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la “Sinfonía de los miles”, por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.

Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo se tornaron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta i cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la segunda, tercera o novena).

Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios de siglo. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban interpretando.

- Música para el Pueblo: La Ópera -

También por vez primera la música se populariza, sobre todo por existir una gran masa burguesa que la saca de su tradicional ámbito aristocrático o religioso.

Uno de los grandes géneros fue la ópera, que al posibilitar la conjunción de la música con el granespectáculo propiciaba situaciones dramáticas llenas de emotividad.

En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este procesó alcanzó su climax con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un contínuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.

Pero veamos como evolucionó la ópera en los distintos paises:

- En Francia, Spontini y Meyerbeer configuraron el estilo llamado grand opéra. Offenbach desarrolló la ópera cómica o bufa.  También cabe destacar a Gounod y Bizet dentro de la ópera de este país.

- En Italia, Rossini, Donizetti y Bellini continuaron la tradición del bel canto.  (Rossini la elevó hasta su más alto grado, y es mejor situarle en el CLASICISMO pues apenas incluye elementos románticos, y fue el mejor continuador también de la ópera cómica de Mozart.  Donizetti y Bellini pueden situarse en el romanticismo más por sus libretos que por sus formas compositivas.)  Durante la segunda mitad del siglo Verdi moderó la preeminencia del bel canto para hacer mayor hincapié en los aspectos dramáticos propios de las relaciones humanas.  Puccini afianzó esta tendencia con el retrato del amor y las emociones violentas.

- En Alemania, Wagner llamó a sus óperas dramas musicales, en los cuales todos los elementos se conjugan en un propósito dramático o filosófico central. Las referencias principales no serán ya las relaciones humanas, como en Verdi, sino los mitos y leyendas. Es igualmente destacable su uso de fragmentos musicales cortos llamados «leitmotivs», que representan musicalmente a todos los personajes, objetos o conceptos: cada vez que uno de éstos aparece en escena o se hace referencia a él, suena su correspondiente «leitmotiv».

Épocas del Romanticismo

- ROMANTICISMO TEMPRANO (1815 – 1825) -

En la segunda década del siglo XIX, el cambio a nuevas fuentes para la música, junto a un uso más acentuado del cromatismo en las melodías y la necesidad de más expresividad armónica, produjeron un cambio estilístico palpable.
Partiendo del propio clasicismo, con el que no hay una voluntad clara de ruptura en cuanto a las formas compositivas, el romanticismo se difunde en principio sobre todo por Alemania y Europa central.

Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente musicales, sino también económicas, políticas y sociales. El escenario estaba preparado para una nueva generación de compositores que podía hablarle al nuevo ambiente europeo post-napoleónico.

En el primer grupo de compositores se suele agrupar a Beethoven, Louis Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos compositores crecieron en medio de la dramática expansión de la vida concertística de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto le dio forma a sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el modelo a seguir, o al menos a aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio Clementi y las óperas de Rossini, Cherubini y Mehul, también ejercieron cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y piano sobre poemas populares, para satisfacer la demanda de un creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e importante fuente de entradas económicas para los compositores.

Los trabajos más importantes de esta ola de compositores románticos fueron quizás los ciclos de canciones y las sinfonías de Schubert y las óperas de Weber.
Para la época, las obras de Schubert sólo se interpretaron ante audiencias limitadas y sólo puedieron ejercer un impacto notable gradualmente.
Por el contrario, las obras de John Field se conocieron rápidamente, en parte debido a que era capaz de componer pequeñas y "características" obras para piano y danzas.

- ROMANTICISMO PLENO (1825 – 1850) -

La siguiente cohorte de compositores románticos todos ellos nacidos en el siglo XIX iniciaron pronto la producción de composiciones de gran valor.

Con la expansión del movimiento por toda Europa aparecen numerosas tendencias:

- Una primera tendencia ataca ya contundentemente al clasicismo relacionándolo también en términos políticos con el poder, desechando sus técnicas compositivas para valorar más la inspiración. Artistas franceses como Berlioz serán los adalides de esta tendencia rupturista. Berlioz compondría la primera sinfonía notable luego de la muerte de Beethoven, la mencionada Sinfonía fantástica.

- Otra tendencia, en compositores como Schumann y Mendelssohn, fue la que procuró conjugar la producción personal con el dominio de la forma clásica, siguiendo el ejemplo de los compositores del primer romanticismo. Mendelssohn fue particularmente precoz, escribiendo sus primeros cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir los veinteaños.

- Finalmente hubo una tendencia más práctica que aprovechó la difusión del romanticismo entre la clase burguesa para componer abundantemente en los géneros más rentables, como la música de salón que los aficionados podían interpretar en casa, o la música teatral (ópera, opereta, ballet, música incidental para escena, etc.) de la que esta clase emergente sentía avidez.  Esto no significaba que en estos géneros no hubiese autores y composiciones de calidad, como lo demuestran las canciones para piano de Mendelssohn o las óperas de Meyerbeer, Verdi o Wagner.

Por otra parte, Chopin se abocó a la música para piano, incluyendo etudes (estudios) y dos conciertos para piano. Con autores como Chopin ya se vislumbra en esta etapa lo que será posteriormente el nacionalismo: un interés por lo popular y exótico que se transluce en la adopción de formas melódicas, rítmicas o instrumentales del folclore de diferentes países, que con ello tratan de dar a conocer una identidad nacional.

Al mismo tiempo se estableció lo que ahora se conoce como "ópera romántica", con una fuerte conexión entre París y el norte de Italia. La combinación de la virtuosidad orquestal francesa, las líneas vocales y poder dramático italianos, junto a libretos que se basaban en la literatura popular, establecieron las normas que continúan dominando la escena operística.
 
Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron inmensamente populares en esta época.

Un aspecto importante de este parte del romanticismo fue la amplia popularidad alcanzada por los conciertos para piano (o "recitales", como los llamaba Franz Liszt), que incluían improvisaciones de temas populares, piezas cortas y otras más largas, tales como las sonatas de Beethoven o Mozart. Una de los exponentes más notables de las obras de Beethoven fue Clara Wieck, que luego se casaría con Robert Schumann. Las nuevas facilidades para viajar que se ofrecían en la época, gracias al tren y luego al vapor, permitieron que surgieran grupos internacionales de fanáticos de pianistas virtuosos, como Liszt, Chopin y Thalberg. Estos conciertos se transformaron en eventos por sí mismos. Niccolò Paganini, famoso virtuoso del violín, fue pionero de este fenómeno.

Entre finales de los años 1830 y los años 1840, los frutos de esta generación fueron presentados al público, como por ejemplo las obras de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer y el joven Giuseppe Verdi. Es importante notar que el romanticismo no era el único, y ni siquiera el más importante, estilo musical de la época, ya que los programas de los conciertos estaban en gran medida dominados por un estilo post-clásico, ejemplificado por el Conservatorio de París, así como la música cortesana. Esto comenzó a cambiar con el auge de ciertas instituciones, tales como las orquestas sinfónicas con temporadas regulares, una moda que promovió el mismo Felix Mendelssohn.

Fue en este momento cuando Richard Wagner produjo su primera ópera exitosa, e inició su búsqueda de nuevas formas para expandir el concepto de los "dramas musicales". Wagner gustaba llamarse a sí mismo revolucionario, y tenía constantes problemas con sus prestamistas y con las autoridades; al mismo tiempo se rodeó de un círculo de músicos con ideas parecidas, como Franz Liszt, con quienes se dedicó a crear la "música del futuro".

Suele indicarse que el romanticismo literario terminó en 1848, con las revoluciones que ocurrieron ese año y que marcaron un hito en la historia de Europa, o al menos en la percepción de las fronteras del arte y la música. Con el advenimiento de la ideología "realista", y la muerte de figuras como Paganini, Mendelssohn y Schumann, y el retiro de Liszt de los escenarios, apareció una nueva generación de músicos.


- ROMANTICISMO TARDÍO (1850 – 1910) -

A mediados del siglo XIX se abre una nueva etapa que comienza con convulsiones políticas que acarrean importantes cambios en el comportamiento y el pensamiento de la sociedad. Sin embargo, la música no parece apercibirse puesto que continúa con sus mismos temas, estilos y técnicas compositivas.

Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más.

El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del principios de siglo, se formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura que tenía como audiencia la clase media, se convirtió en el objetivo principal de la publicación de libros, incluyendo el ascenso de la novela como la principal forma literaria.

Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo XIX se habían retirado o habían muerto como Schumann, Mendelssohn y Chopin. Muchos otros siguieron otros caminos, aprovechando una mayor regularidad en la vida concertística, y recursos financieros y técnicos disponibles.

En los anteriores cincuenta años, muchas innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción "double escarpment", los intrumentos de viento con válvulas, y el "rest chin" de los violines y violas, pasaron de ser algo novedoso a estándar.

El incremento de la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música para piano y los conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de sus propios recursos.

La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados, y la expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudad y países, como París, Londres o Italia.

El período romántico tardío también vio el auge de los estilos llamados "nacionalistas" que estaban asociados con la música popular (folclórica) y la poesía de determinados países.

La noción de música alemana o italiana, ya estaba largamente establecida en la historia de la música, pero a partir de finales del siglo XIX se crearon los estilos ruso (Glinka, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Tchaikovski y Borodin); checo, finlandés y francés. Muchos compositores fueron expresamente nacionalistas en sus objetivos, buscando componer ópera o música asociada con la lengua y cultura de sus tierras de origen.

Sólo en la ópera parecen darse ciertos cambios, comenzando a proponer temas realistas como argumento de sus obras, hasta llegar al llamado verismo italiano, que busca el retrato auténtico de ambientes y pasiones.

Por otra parte, en Alemania comienza a interesar el estudio histórico de las formas musicales, dando lugar a la musicología que se extenderá luego por el resto de paíes.

A raíz de esto se forman dos corrientes enfrentadas: la representada por Brahms, uno de los primeros en inspirarse en formas del pasado para buscar un nuevo lenguaje; y la representada por Liszt y Wagner, que buscan ese nuevo lenguaje haciendo uso de una mayor libertad formal y temática.

- EL IMPRESIONISMO FRANCÉS -

A finales del siglo XIX el panorama musical romántico había quedado definitivamente alterado, como lo mostraba la música de Wagner. Se había llegado a la desintegración de la tonalidad; el uso del color del sonido, haciendo que muchas notas quedasen fuera del tono principal, dio lugar al cromatismo, que sería una de las principales características del impresionismo francés, representado por compositores como Debussy y Ravel.  

Este estilo dejó su huella también en otros compositores de fuera de Francia, como en el italiano Ottorino Respighi, el ruso Alexander Scriabin, o el español Manuel de Falla. Pero también hubo otros compositores franceses que no seguirían estrictamente el camino impresionista, como Satie o Poulenc.

- EL NACIONALISMO -

El nacionalismo acaba también por desarrollarse completamente y aparecen escuelas nacionalistas en casi todos los países europeos, destacando las siguientes:  

• La bohemia -o checa: con Dvorák o Smetana.

• La rusa con Chaikovski, Glinka y el llamado «Grupo de los Cinco» compuesto por Borodin, Mussorgski, Rimski-Korsakov, Cui y Balakirev. 

• La escandinava con el noruego Grieg, el danés Nielsen y el finlandés Sibelius.

• Por su parte, el nacionalismo italiano, el que se da con la Unificación y representado por Verdi, no tuvo verdadera repercusión en la composición musical.

• En Francia, compositores como Franck, Saint-Saëns o Fauré ahondaron en la creación de un estilo «francés», pero sin preocupaciones nacionalistas, a la vez que los compositores impresionistas comenzaban su andadura y rompían definitivamente con el romanticismo.

- EL POST-ROMANTICISMO (1870 – 1949) -

Otras escuelas destacables como la inglesa o la española aparecerían más tarde, ya en el Post-romanticismo. El español Falla hizo uso de la música popular, siendo especialmente sus compatriotas Albéniz, Granados y Turina quienes trataron de crear una escuela nacional española, continuando una línea de trabajo iniciada por Felipe Pedrell.

- ROMANTICISMO EN EL SIGLO XX (1901, en adelante) -

Muchos de los compositores que nacieron en el siglo XIX y continuaron componiendo ya entrado el siglo XX, utilizaron estilos que estaban en clara conexión con la era musical previa, incluyendo a Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss y Kurt Atterberg.

Por otro lado, muchos de los compositores que luego fueron identificados como modernistas, escribieron en sus inicios obras con un marcado estilo romántico, como por ejemplo Igor Stravinsky (es notable su ballet El pájaro de fuego), Arnold Schoenberg (Gurrelieder), y Béla Bartók (El castillo de Barbazul).

Pero el vocabulario y la estructura musical de finales del siglo XIX no se quedó allí; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt y Sergei Prokofiev continuaron este estilo de composición más allá de 1950.

Aunque algunas nuevas tendencias como el neo-clasicismo o la música atonal, cuestionaron la preeminencia del estilo romántico, el interés por utilizar un vocabulario cromático centrado en la tonalidad, siguió presente en las obras más importantes. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Shostakovich, Malcolm Arnold y Arnold Bax, aunque se consideraban a sí mismos compositores modernos y contemporáneos, mostraron frecuentemente tendencias románticas en sus obras.

El romanticismo alcanzo un nadir retórico y artístico alrededor de 1960: todo indicaba que el futuro estaría formado por estilos de composición avant garde o con algún tipo de elementos neo-clásicos. Mientras Hindemith regresaba a estilos más reconocibles en sus raíces románticas, muchos compositores se movieron en otras direcciones. Parecía que sólo en la URSS o China, donde había una jerarquía académica conservadora, el romanticismo tenía un lugar. Sin embargo, a finales de 1960 se inició un revival de la música que tenía una superficie romántica. Compositores como George Rochberg pasaron de la música serial a modelos basados en Gustav Mahler, un proyecto en el que estuvo acompañado de otros como Nicholas Maw y David Del Tredici. Este movimiento se suele denominar neo-romanticismo, e incluye obras tales como la Primera sinfonía de John Corigliano.

Otra área donde el estilo romántico ha sobrevivido, e incluso ha florecido, es en las bandas sonoras. Muchos de los primeros emigrantes que escapaban de la Alemania nazi fueron compositores judíos que habían estudiado con Mahler o sus discípulos en Viena. La partitura de la película “Lo que el viento se llevó” del compositor Max Steiner, es un ejemplo del uso de los leitmotivs wagnerianos y la orquestación mahleriana. La música de los filmes de la Era dorada de Hollywood fue compuesta en gran medida por Korngold y Steiner, así como Franz Waxman y Alfred Newman. La siguiente generación de compositores para el cine, compuesta por Alexander North, John Williams, y Elmer Bernstein se basaron en esta tradición en la composición de la música orquestal para cine más familiar de finales del siglo XX.

PERÍODO SIGLO XX Y CONTEMPORANEO

A pesar de hablarse de música del siglo XX, debe considerarse que su inicio «oficial» suele fecharse con la aparición del dodecafonismo, ya bien entrado el siglo y terminada la Primera Guerra Mundial, cuando se da la manifestación de toda una serie de experimentos formales que dan lugar a numerosos estilos y corrientes.
Características Generales
Con la fonografía, la radio, el desarrollo de las comunicaciones, etc… los aficionados comienzan a verse en disposición de juzgar las novedades musicales más rápidamente que nunca. Uno de los resultados de esto es que se valora más que nunca la originalidad, un rasgo ya propio del romanticismo. Los propios compositores están más al tanto de lo que hace el resto, y por tanto, en busca de esa originalidad, la diversidad y el cambio serán los rasgos distintivos del siglo.

Estilos Contemporaneos

La mayoría de los estilos se fundamentan en ciertas características armónicas:

• El Cromatismo-. El cromatismo sigue siendo fundamental en la armonía de este siglo. Como consecuencia extrema del cromatismo se llega al atonalismo, es decir, la total ausencia de tonalidad central. El austriaco Arnold Schönberg ideó el sistema dodecafónico, en el que los doce sonidos de la escala tonal se colocan en serie según un orden escogido por el compositor, pudiendo sólo utilizar esa serie o unas determinadas variaciones de la misma. Al principio fueron sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern los únicos que adoptaron su técnica. Sin embargo, después de treinta o cuarenta años desde su aparición, la mayoría de los compositores del siglo XX utilizaron este sistema.

• El Serialismo-. Basado en el sistema dodecafónico, el serialismo establece un orden para la sucesión de las diferentes figuras y para los niveles de intensidad sonora, por ejemplo, así como para las notas. Se ha llamado también «serialismo integral» para distinguirlo del serialismo limitado del dodecafonismo. Destacan en este estilo Olivier Messiaen y su alumno Pierre Boulez, junto con Karlheinz Stockhausen, Ernst Krenek y Milton Babbitt.

• La Politonalidad-. Que se basa en el uso simultáneo de más de una tonalidad.

• La Modalidad-. Basada en el uso de modos y escalas del renacimiento y anteriores. Béla Bartók utilizó profusamente los modos de la antigua música popular húngara.

• La Música Microtonal-. Basada en la división de la octava en más de los doce sonidos normales, por lo que algunas notas, llamadas  «microtonos», suenan un poco más agudos o graves que los sonidos de la escala normal.

Pero también hay estilos cuya novedad no estriba tanto en el ámbito armónico: 

• El Neoclasicismo-. El neoclasicismo, en la década de 1920, busca un retorno a la concepción clásica en la que todos los elementos de la composición contribuyan a la claridad de la estructura formal. En cuanto a sus características armónicas, el neoclasicismo usó de un sentido diferente de la tonalidad al combinar el cromatismo con las formas del barroco y del clasicismo. Los músicos más destacados de esta tendencia serán Igor Stravinsky, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich.

• La Música Concreta-. La música concreta fue el resultado de la combinación de sonidos grabados al azar en la calle (a comienzos de 1948 por el ingeniero francés Pierre Schaeffer y algunos compositores de París). Con dicho nombre se hacía referencia a una música que contenía ruidos de la vida diaria y sonidos abstractos y artificiales producidos por instrumentos musicales. La música concreta marcó el comienzo de la música electrónica, en la que equipos electrónicos u ordenadores se utilizan como generadores de sonidos para posteriormente modificarlos y combinarlos. 

• La Música Aleatoria-. También el azar interviene en la música aleatoria, usando para ello los dados o las cartas, o dejando al intérprete elegir entre varias páginas compuestas, o haciendo que éste interpretase musicalmente ciertos dibujos (música gráfica). Los músicos más destacados en este apartado son los estadounidenses John Cage y Earle Brown, el argentino Alberto Ginastera y el griego Iannis Xenakis.

• La Ópera Contemporanea-. Finalmente, la ópera ha seguido teniendo el atractivo de los siglos anteriores. Entre los compositores de más éxito cabe destacar a Richard Strauss, Hans Werner Henze, George Gershwin y Benjamin Britten. 
  

• El Ballet-. En tanto, el ballet se revitalizará con compositores como Prokofiev, Bartók, Ravel y Stravinsky.  

A pesar de la sorprendente variedad de la música de este siglo, un rasgo común en las obras más vanguardistas es el interés en las cualidades, texturas, densidades y duraciones de los sonidos: por primera este interés ha primado sobre todos los demás, incluyendo la melodía, ausente hoy, y la armonía, tratada como un componente más.